Ahir, 18 de Febrer de 2011, va estrenar-se a Espanya Black Swan de Darren Aronofski. La pel·lícula portava mesos generant interès per l’allau de crítiques aparegudes a la premsa (la majoria positives), així com per la seva candidatura a quatre Globus d’Or i cinc premis Oscar. En boca de tots estava la incommensurable interpretació de Natalie Portman així com la presència de diverses cares conegudes com Wynona Ryder, Mila Kunis o Barbara Hersley.
La història és senzilla però rodona: una ballarina (Natalie Portman) d’una gran companyia de ballet de Nova York aconsegueix el paper protagonista d’una nova versió del clàssic “El llac dels cignes” i se li demana que interpreti tant el cigne blanc com el cigne negre. Per la seva aparent personalitat dèbil, treballadora però poc creativa el paper del cigne blanc li va com anell al dit i trigarà poc a dominar-lo. Però el cigne negre és un personatge fosc i pervers i Nina (que així és com es diu la protagonista) no troba els recursos per arribar a copsar el personatge. A la mateixa companyia hi ha una altra ballarina, Lily (interpretada per Mila Kunis), que compleix tots els requisits per interpretar-lo. El personatge es presenta des del començament com un alter-ego excessivament explícit en el qual la Nina identifica la naturalitat i la bogeria que a ella li manca per a representar el cigne negre. Tot i que es tracta d’una homonímia calculada entre ballarines i cignes, la pel·lícula triomfa en combinar el personatge de Lily amb la pròpia vessant fosca de Nina, que acabarà revelant-se de ple al final de la pel·lícula. És un guió rodó, tancat, on la mateixa història del llac dels cignes acaba materialitzant-se en el personatge de Nina, una ballarina de tècnica perfecte i aparença angelical que acabarà sucumbint a la ràbia i l’impuls de destrucció que guardava més amagats.
Si és que peca d’alguna cosa, la pel·lícula peca de maniquea. El bé i el mal, l’eros i el thanatos són aquí (com són a tot arreu) dues cares de la mateixa moneda i és molt minç l’espai que Aronofski deixa per navegar entre l’un i l’altre. La història s’articula voluntàriament en els termes de la dualitat moral i aquests són tan obvis i tan plàstics com el blanc i el negre. Però és que no podem oblidar que aquest és un film amb segell d’autor i que aquesta dualitat és una marca personal i indiscutible del director americà. El seu cinema és un de personatges totals, on uns protagonistes absoluts es debaten en un dilema sempre intern, sempre dual, sempre complicat. Així, The fountain (2006) ens parla de la vida i la mort; Requiem for a dream (2000) de la realitat i el somni i The wrestler (2008) de l’èxit i el fracàs. De fet, sembla que Aronofski havia concebut Black Swan per ser la continuació d’aquesta última pel·lícula, per tal com ambdues mostren la part més dolorosa de tot espectacle, des del més barruer (el wresling) al més sublim (el ballet). Al llarg de la pel·lícula Aronofski juga amb el seu propi cinema amb picades d’ullet als seus seguidors com la presència de personatges recurrents: l’home del metro de Black Swan és el mateix home del metro de Pi, per exemple.
Més enllà d’això, el lloc comú de les pel·lícules d’Aronofski és la seva “interioritat”, la seva capacitat de remoure sentiments profunds i de generar en l’espectador una tensió emocional sense que es faci especialment necessari l’ús de girs de guió o cops d’efecte inesperats. A Black Swan el personatge de Nina és el principal generador d’aquest sentiment ja que, per la seva pròpia debilitat, evoca l’empatia constant de l’espectador i el manté sotmès a una sensació de patiment sostingut. És aquest mateix el que fa que es deixi endur fins el punt de sorprendre’s amb un final obvi però molt ben trobat.
En definitiva, Black Swan és la història de sempre, la del mal que sobrepassa el bé, la de l’èxit a qualsevol preu i la de la tirania de l’espectacle. Però no per això deixa de ser una gran història, ans al contrari, Aronofski sorprèn una vegada més explicant-la com ningú: amb actors excepcionals, un bon guió i un domini de la imatge que el situa cada vegada més entre els realitzadors més capaços del cinema actual. En aquest últim film la càmera camina, corre i fins i tot balla al ritme de la història en una fusió amb els actors pràcticament perfecte. Al començament de la pel·lícula Vincent Cassel (en el paper del director de l’obra Thomas Leroy) afirma “Perfection is not just about control. It's also about letting go.” Un epitafi perfecte per a la pel·lícula.